In trei saptamani, creditele se vor desfasura in cel mai bun sezon de cinema din amintirea recenta. Zece filme sunt candidate pentru Oscarul pentru cel mai bun film pe 10 martie si nu este o prostie intre ele. Asta este neobisnuit. De obicei, vei gasi un Extrem de Tare si Incredibil de Aproape acolo undeva. Sau poate mai mult de unul (Babel, The Blind Side), sau chiar un trio (Crash, Les Miserables, Bohemian Rhapsody). Adesea, este greu sa fii entuziasmat de cursa de premiere; uneori este dificil sa te simti puternic fata de oricare dintre marii concurenti.
Anul acesta este diferit. Nu numai ca calitatea este ridicata; implicarea publicului a fost vertiginoasa. O mare parte din asta se datoreaza grozavului Barbenheimer, oferind blockbusterilor inteligenti momentul lor de film dupa evenimentul Covid. Dar racitorul de apa ar fi fost totusi zgomotos: Zona de interes, Anatomia unei caderi si Poor Things sunt toate opere de arta extraordinar de ambitioase si singulare, care au alimentat dezbateri puternice.
Ce mai este pe lista? American Fiction: un debut minunat si flexibil. The Holdovers: lumina imaculata de iarna. Vietile trecute: o scurta intalnire pentru generatia Skype. Maestro: un proiect de pasiune, cu inima si gule protetice fabuloase. In plus, o capodopera masiva de la Scorsese.
Si acestea sunt doar filmele pe care Academia le-a favorizat. Snuburile lor includ Passages, Monica, Showing Up si poate cel mai bun film dintre titlurile din mix: All of Us Strangers.
Deci: 2023 are o pretentie puternica de a fi cel mai bun an in film din 2013 (The Act of Killing, 12 Years a Slave, Gravity, The Great Beauty, Frances Ha, A Touch of Sin, Nebraska, The Wolf of Wall Street, Under pielea). Dar poate pretinde coroana generala? Scriitorii nostri merg la cutia de sapun pentru a sustine anii lor preferati din istoria cinematografiei. Catherine Shoard
1971: o explozie de filme geniale
Maretia cinematografiei din 1971 este complicata de nihilismul, pesimismul, violenta, disperarea ingrozitoare si greata mondiala care continua sa caracterizeze marile poze realizate in acel an. Acestea nu erau filme ale caror momente cheie puteau fi rezumate intr-o bobina de montaj care se simtea bine, cu That’s Entertainment jucand peste ele. Erau in mod obisnuit despre a fi nebuni, paranoici, dezamagiti si obositi de viata. Chiar si Fiddler on the Roof, grozav de bun al lui Norman Jewison, este despre pogromuri.
Cand compozitorul umilit si indragostit al lui Dirk Bogarde, Gustav von Aschenbach, este dus de pe plaja in Moartea la Venetia, cu vopsea de par curgandu-i pe fata, este o imagine de sfarsit a infrangerii totale: pasiunea sfidator morbida, arta si decadenta care au precedat-o au fost foarte 1971. La fel a fost geniul transgresiv al lui Ken Russell, continuu suprimat The Devils. (Desi WR The Mysteries of the Organism al lui Dusan Makavejev avea un fel de erotism din anii 60, fara intunericul tanatotic din 1971.) Superba spectacolul The Last Picture Show a lui Peter Bogdanovich parea (in mod gresit) sa intuiasca moartea cinematografiei in sine, desi uluitoarea inotare goala. scena este la fel de palpitant de vie ca orice in acel an sau in oricare alt an.
O portocala mecanica a lui Stanley Kubrick a fost o viziune de cosmar asupra supravegherii si controlului statului si a dezgustului fata de tineri. Straw Dogs a lui Sam Peckinpah a fost o evocare infioratoare a violentei in Marea Britanie bucolica, iar The French Connection a lui William Friedkin a fost un thriller visceral de puternic despre New York-ul care se indreapta spre haos, iar Dirty Harry de Don Siegel ne-a oferit un om al legii despotic care primeste fiecare slujba murdara care apare. . 10 Rillington Place a lui Richard Fleischer l-a avut pe Richard Attenborough drept un ucigas in serie slabanog, urat, deprimat pentru o Marea Britanie deprimata si neplacuta, iar superbul noir al lui Mike Hodges, Get Carter, a fost un atac satiric stralucit asupra sistemului de clasa britanic, a sistemului de rusine si ciuda. sistem.
Cum s-a intamplat ca atat de multe filme geniale au explodat brusc din conducta in 1971? In Marea Britanie, s-a intamplat sa fie anul retragerii lui John Trevelyan ca sef liberal al Consiliului Britanic al Cenzorilor de Film (cum era cunoscut atunci). A ajutat la crearea conditiilor pentru filme puternice si care depasesc limitele. Apoi a mai fost faptul ca groovinessul anilor 60 se acru intr-o dispozitie mai furioasa si mai confruntare. Mai presus de toate, realizatorii de film faceau forta pentru libertatea de a spune ceea ce doreau, un fel de violenta in sine. A facut din 1971 o epoca deosebit de interesanta. Peter Bradshaw
1928: sunt lansate trei filme cu Alfred Hitchcock
Din haos iese creativitatea si contradictia. La inceputurile sale, cinematograful de sunet a intrat ca un taur in magazinul de portelanuri de la Hollywood, iar anul 1928 a vazut studiourile aruncate in confuzie in timp ce s-au luptat sa incorporeze tehnologia de sincronizare a sunetului. Cu toate acestea, unele dintre cele mai mari si mai melancolice capodopere mute ale cinematografiei americane au aparut in acest an miraculos. Luati elementul The Wind al lui Victor Sjostrom, cu Lillian Gish infruntand o furtuna de violenta masculina, epopeea americana a viselor esuate a regelui Vidor, Multimea, expunerea lui Josef von Sternberg la Hollywood, The Last Command sau ultimul film mut al lui Charlie Chaplin, Circul, pe rand. – zdrobitor de uluitor si stomacal de amuzant. O cofetarie dulce precum Lonesome a lui Paul Fejos a reusit sa creasca chiar si cu o lingura de dialog incorporata. Pe raul Mississippi, o era a comediei americane s-a incheiat, iar alta a inceput cu doua barci cu aburi conduse de un Buster Keaton fara voce si de un Mickey Mouse vocal. .
In alta parte, cinematograful sovietic a produs monumente precum Furtuna peste Asia (Vsevolod Pudovkin) si Octombrie (Sergei Eisenstein), in timp ce Alexsandr Dovshenko a evocat viziunile excentrice ale lui Zvenigora. Fritz Lang a incantat publicul german cu thriller-ul sau de spionaj Spione, Rene Clair a perfectionat arta comediei mute franceze cu The Italian Straw Hat si Les Deux Timides, iar in Marea Britanie Alfred Hitchcock a lansat nu unul, ci trei filme in decurs de 12 luni. . Revolutia a bubuit in toata Europa, de fapt, pe masura ce regulile cinematografiei au fost demontate si reasamblate de imaginatia suprarealista a unor artisti precum Germaine Dulac (The Seashell and the Clergyman) si Man Ray (The Star Fish) – in timp ce Luis Bunuel si Jean Epstein au realizat horrorea gotica ciudat de delirata Caderea Casei Usher.
Mai mare chiar decat toate acestea, un regizor danez si o vedeta italiana au colaborat in Franta la perfectiunea dureroasa din The Passion of Joan of Arc (1928), in care Carl Theodor Dreyer a dezvaluit un univers al emotiei umane in prim-planuri intime ale lacrimii lui Falconetti. -fata patata. Tehnica disruptiva aliniata cu o poveste atemporala, dezvaluind puterea nelimitata a formei de arta. Acest film inca de neintrecut dezvaluie, asa cum isi imaginase Virginia Woolf intr-un eseu recent, „ce ar putea face cinematograful daca l-ar lasa singur”. Pamela Hutchinson
1991: trecutul vorbeste prezentului
A iesit de pe podeaua de sah ca un cosmar cu ardere lenta: T-1000, o masina de ucidere a metalelor lichide care a intrecut chiar si prima iteratie aparent invulnerabila a lui Arnold Schwarzenegger. Terminator fusese un hit surpriza. Terminator 2: Judgment Day a crescut miza, cu un raufacator capabil acum sa se schimbe in orice a atins.
Sa alegi 1991 ar putea parea surprinzator, mai ales avand in vedere anii 90 mai importanti in film: seria triumfala de filme din 1994 (Pulp Fiction, Forrest Gump, Shawshank Redemption) sau acel an cu un alt seminal James Cameron, Titanic din 1997. Dar filmele din 1991 au un mod de a vorbi despre prezent. Terminator 2 a anuntat ascensiunea CGI, determinandu-l pe David Foster Wallace sa inventeze, intr-un eseu care mergea impotriva normalului (el ura), „legea inversa a costului si a calitatii”: adica, „cu cat bugetul unui film este mai mare, cu atat mai rahat. acel film va fi”. Initiaza dezbaterea despre filmele cu supereroi zeci de ani mai tarziu.
Liniile de trecere continua. Pe fondul recentelor calcule globale asupra rasismului si sexismului, s-a gasit multa bucurie in redescoperirea Daughters of the Dust, frumoasa poveste a lui Julie Dash despre trei generatii de femei Gullah care traiesc pe insulele maritime din Carolina de Sud. Filmul lui John Singleton Boyz N the Hood a descris tineri barbati de culoare care traiesc pe fundalul intimidarii si gentrificarii politiei. Thelma and Louise de Ridley Scott a fost o oda vesela si distractiva a prieteniei feminine din umbra violentei masculine. Marele castigator al premiilor Oscar din 1991, Silence of the Lambs de Jonathan Demme, este primul si singurul film de groaza care a castigat premiul pentru cel mai bun film, distinctie care aduce in minte dezbaterea despre „horror de prestigiu” din ultimii ani. Si pe tema foarte contemporana a filmelor foarte lungi: anul trecut am avut placerea sa vad la cinema epopeea de patru ore a lui Edward Yang, A Brighter Summer Day. Povestea vietii studentesti in Taiwanul anilor 1960 este frumos povestita si nu a fost niciodata tarata in cele patru ore; pana la sfarsit, am fost in lacrimi. Rebecca Liu
1999: Anxietatea Y2K infecteaza industria filmului cu frica
Anii 90 ar fi putut arata o crestere ingrijoratoare si, in cele din urma, premonitorie a dependentei de franciza, dar deceniul a fost, de asemenea, incheiat cu o amintire a ceea ce ar putea fi realizat in afara granitelor stabilite mai clar. Nouasprezece nouazeci si noua a fost, pana la urma, actul final pentru un deceniu care a vazut nasterea unei noi miscari cinematografice independente. Filmele pentru care este acum cel mai bine cunoscut arata o energie si un sentiment de risc care nu s-au simtit niciodata la fel de incitante in anii de atunci.
Am vazut debuturi unice de la Sofia Coppola cu rupatorul ei de inima, The Virgin Suicides, partenerul ei de atunci, Spike Jonze, cu Being John Malkovich, si Lynne Ramsay, cu drama bantuitoare despre majorat Ratcatcher. Noul val de autori care au castigat un picior mai devreme in anii 90 a inflorit si mai mult cu indrazneala Magnolia a lui Paul Thomas Anderson, Fight Club incendiar al lui David Fincher, Office Space al lui Mike Judge, care va fi redescoperit in curand, Tom Tykwer’s Run Lola Run, Doug Liman’s Go si alegerile brutal de amuzante ale lui Alexander Payne.
Chiar si filmele de studio cu mai multe vedete au fost mai bune si mai inteligente decat de obicei: The Talented Mr Ripley al lui Anthony Minghella, Three Kings al lui David O Russell, Bowfinger al lui Frank Oz si The Thomas Crown Affair al lui John McTiernan. Groaza a fost, de asemenea, in crestere cu The Sixth Sense, Audition si proiectul The Blair Witch, care creaza subgenuri, in timp ce temerile legate de lumea noastra din ce in ce mai conectata au condus, de asemenea, la eXistenZ si The Matrix ale lui David Cronenberg, rarul starter de franciza care s-a simtit cu adevarat original (amintiti-va ca ?).
Sunt departe de a fi singur in aceasta teorie. In 2019, a fost publicata o carte care face exact acest caz, in acelasi timp in care un panel live de la Londra a discutat acelasi subiect, in timp ce luna trecuta au vazut cinematografele Alamo Drafthouse din SUA aratand unele dintre cele mai bune din acel an, dintre care proiectii au fost in mare parte vandut. Poate ca a fost un fel de anxietate Y2K care a fortat frica sa intre in industrie inainte ca toata lumea sa decida sa joace in siguranta. Benjamin Lee
1968: un salt urias pentru realizarea de filme
A fost nevoie de cativa ani pentru ca efectul complet al contraculturii sa apara pe marele ecran, dar 1968 a vazut alte acte revolutionare (si poate mai impresionante). Cel mai remarcabil a fost acel salt urias in realizarea filmelor, 2001: O odiseea spatiului – o stea pentru tehnica si design care nu a fost niciodata depasita cu adevarat. Faptul ca s-a imbinat cu psihedelia a fost o coincidenta cu care MGM s-a rostogolit in scopuri de marketing, marcand experienta neortodoxa „calatoria suprema”.
Un alt new-yorkez (Kubrick era un expat care s-a stabilit in Marea Britanie) a pus o amprenta de nesters asupra culturii pop in acelasi an: Barbra Streisand in comedia muzicala indrazneata, stralucitoare si nesfarsita de evreiasca Funny Girl. In timp ce „daffy dames” nu erau nimic nou in cinema, putini puteau purta o melodie ca Streisand si sa ramana suficient de sexy pentru a-l atrage pe Omar Sharif.
Regizorul polonez Roman Polanski a facut primul sau film american cu satira imobiliara din New York Rosemary’s Baby in 1968, inca unul dintre cele mai bune filme despre paranoia si iluminarea cu gaz de la, ei bine, Gaslight. Co-starul sau, regizorul John Cassavetes, si-a lansat in acelasi an imaginea sa de 16 mm in stil documentar Faces, o drama de personaje cu buget redus puternic influenta. La Hollywood, Bullitt al lui Steve McQueen a recablat secvente de actiune cu urmarirea deluroasa a masinilor din San Francisco, care a lasat publicul icnind. Si in alta parte din spatiul cosmic, intr-o imagine de actiune cu niste comentarii sociale viclene, Charlton Heston a aterizat pe planeta condamnata a Maimutelor… o planeta care parea ciudat de familiara la sfarsit. Jordan Hoffman
1955: un urlet de neliniste tanara galvanizeaza o generatie
Mijlocul anilor ’50 este adesea eliminat ca o faza de tranzitie incomoda intre Epoca de Aur de la Hollywood si neorealismul italian la un capat si explozia miscarilor New Wave si a cinematografiei contraculturii pe de alta parte. Dar, avand in vedere ca televiziunea este o amenintare pentru cinema, filmele au raspuns cu vibratia atragatoare si atragatoare a VistaVision, Technicolor si CinemaScope. Chiar si alb-negru a aparut.
In 1955, filmul noir s-a intunecat si s-a extins in goticul sudic visator al capodoperei una si facuta a lui Charles Laughton, Noaptea vanatorului, cu Robert Mitchum cel mai seducator ca un escroc biblic urmarind peisajul rural. In acelasi timp, grija cu doi pumni a lui Robert Aldrich Kiss Me Deadly a condus genul postbelic in razboiul rece, cu o servieta stralucitoare care insinua apocalipsa. Intre timp, dincolo de ocean, francezii ridicau stacheta si in alte genuri, cu psihologia rasucita a lui Diabolique si furtul de diamante standard al lui Rififi.
Culorile din 1955 s-ar putea sa fi fost hiper-reale, dar au fost egalate de intensitatea emotionala. Exista All That Heaven Allows al lui Douglas Sirk, o poveste de dragoste intre o vaduva si gradinarul ei, care infloreste intr-o sera apasatoare de barfe si coduri de clasa. Exista minunile senzuale ale lui Max Ophuls Lola Montes, care pune viata tragica a unei dansatoare si curtezane europene din secolul al XIX-lea in mijlocul unui circ literal cu trei inele. Chiar si diversiunele anului au lesinat, de la Moulin Rouge din French Cancan al lui Jean Renoir la vehiculul premium Martin-and-Lewis Artists and Models al lui Frank Tashlin pana la Katharine Hepburn prabusindu-se intr-un canal de la Venetia in Summertime lui David Lean.
Toate aceste tendinte s-au unit in frumosul, tragicul an al lui James Dean, care a inceput in primavara cu East of Eden a Elia Kazan si s-a incheiat postum in toamna cu Rebel Without a Cause de Nicholas Ray. Doua imagini CinemaScope – una alb-negru, cealalta color, ambele urland de o neliniste tanara care ar galvaniza o generatie. Scott Tobias
1982: forte reactionare si subversivitate in aer
Acesta a fost un annus mirabilis pentru cinema, desi nu parea la momentul respectiv. Thatcher si Reagan, razboiul din Falklands, Mary Whitehouse condamnand nou-numitul Canal 4 si scenaristul premiat cu Oscar Chariots of Fire, Colin Welland, trambitand „Britnicii vin!” a sugerat ca fortele reactionale erau in crestere. Dar subversivitatea era si in aer: 1982 a fost un an flagrant pentru science fiction, horror si fantasy, genuri inca dispretuite de multi critici mainstream, dar imbratisate de publicul mai tanar. Desi ET: The Extra-Terrestrial a ocupat primul loc in box office, recenziile slabe sau incasarile slabe au insemnat alte clasice – The Thing, Blade Runner si Cat People printre ei – a durat mai mult pentru a-si gasi fandom-urile.
Tron si Koyaanisqatsi au deschis noi drumuri, Poltergeist si Creepshow au introdus groaza in mainstream, iar Conan the Barbarian si The Beastmaster au impulsionat fantezia eroica. Continuari de prim rang, cum ar fi Star Trek II: The Wrath of Khan, au anuntat ascensiunea francizelor de succes. La capatul opus al scalei bugetare, Q: The Winged Serpent, Tenebrae, Liquid Sky, Android, Basket Case si alte pietre pretioase au beneficiat de circuitul de repetate si de proliferarea VHS.
Nici lansarile mai „respectabile” nu au fost prea ponosite: 1982 ne-a oferit First Blood, Moonlighting, 48 Hrs, Dead Men Don’t Wear Plaid, The Draughtsman’s Contract, The Year of Living Dangerously si Tootsie, pentru a numi doar cateva, in timp ce Diner iar Fast Times la Ridgemont High a inaugurat un nou val de talent actoricesc.
Cei trei mari ai New German Cinema au lansat fiecare filme noi: Fitzcarraldo de Werner Herzog, The State of Things de Wim Wenders – si au fost Veronika Voss si Querelle de la Rainer Werner Fassbinder, care a supradozat fatal in iunie 1982. Samuel Fuller a dovedit ca inca mai are lucrurile potrivite. cu provocatorul sau caine alb, Ingmar Bergman si-a prezentat regretata capodopera Fanny si Alexander, iar criticii britanici au criticat opera satiric de bucatar al lui Lindsay Anderson, Spitalul Britannia. Bineinteles ca au facut-o: a salbaticit tot ce-i placea stabilimentul. Anne Billson
1960: apar fotografii de avertizare estetica
Anul de referinta dintre Vechiul si Noul Hollywood, marcat de scriitorul Mark Harris in cartea sa Scenes from a Revolution este 1967. Dar agitatii seditioase erau deja in curs in multe tari la inceputul deceniului; 1960 a vazut atat de multe fotografii de avertizare estetica inconfundabile, incat trebuie sa fie in cursa pentru cel mai bun an de film. Psycho a lui Alfred Hitchcock a fost cel mare, cu urechea acoperita de soapte intunecate ale psihicului care au facut si mai multa batjocura de subtilitatile Codului Hays; si mana inclinata pentru a taia gramatica serioasa a filmului in bucati in scena dusului nemuritor.
Nu a fost un an vintage de la Hollywood, cu doar The Apartment de Billy Wilder, The Magnificent Seven de John Sturges si Spartacus de Stanley Kubrick atingand inaltimi egale. Acest lucru a servit doar la evidentierea bogatiei si a caracterului radical al ofertei internationale. Gramaticianul de film al lui Hitchcock, Jean-Luc Godard, a lansat Breathless, filmul emblematic al francezului nouvelle vague, iar Francois Truffaut si Louis Malle au pastrat impulsul cu Shoot the Piano Player si Zazie dans le Metro. In Marea Britanie, Karel Reisz a inaugurat noul val britanic mai putin constient, dar la fel de modern, cu cursul sau de chiuveta de bucatarie sambata seara si duminica dimineata; Intre timp, batranul confortabil Michael Powell si-a pierdut propria cariera si chiar motivatiile cinematografiei in sine, in ucigasul sau ucigas in serie Peeping Tom.
Genti precum Village of the Damned, Eyes without a Face, L’Avventura, Purple Noon si The Housemaid, toate au aratat o neliniste si dislocare care spuneau ca schimbarea era in aer. Toamna tarzie a lui Ozu si Rocco and Brothers lui Visconti au fost realizari mai clasiciste, dar totusi o parte foarte mare din potopul de cinematografie globala captivanta care a profitat de epuizarea Hollywoodului si a pus bazele transformarii sale de catre urmatoarea generatie de tineri arme. Daca semnificatia mai larga este la fel de importanta ca excelenta cantitativa, atunci 1960 a deschis multe usi. Phil Hoad
1939: Epoca de aur de la Hollywood la cea mai stralucitoare
Pachetul Oscar a fost condus de Gone with the Wind, Mr Smith Goes to Washington si Vrajitorul din Oz. Pe langa efortul sau minor realizat Drums Along the Mohawk, John Ford a oferit lumii doua capodopere inatacabile Stagecoach si Young Mr Lincoln, ceea ce este un fel de a inventa leacul pentru poliomielita in acelasi an in care ai stabilit recordul mondial pentru cea mai rapida mila. Fie ca este incadrat in drama, comedie sau actiune, romantismul nu a vazut niciodata un anus mirabilis mai fructuos, o jena de bogatie raspandita printre Ninotchka, The Women, Goodbye Mr Chips, Wuthering Heights si Only Angels Have Wings. Basil Rathbone si-a facut debutul ca Sherlock Holmes in The Hound of the Baskervilles. Chiar si imaginile de tip B uitate, marcaje de umplere, cum ar fi Son of Frankenstein, care se gaseste in trei cali, arata un nivel de arta si convingere de performanta straine complexului industrial de franciza de astazi.
Dar daca distinctia dintre cel mai bun an al formei de arta depinde de un sentiment mai profund al semnificatiei, 1939 poate fi inca la inaltime, o piatra de hotar prefabricata pe piedestalata de o industrie care sarbatoreste 50 de ani de tehnologie cinematografica si 25 de cand afacerea a mers in vest. Fiecare studio si-a prezentat talentul de ambele parti ale camerei, cu bugete mai mari si ambitii sporite, ridicand avantajul asupra artificiului inspirat pe care fabrica de vise l-a vandut unei Americi dornice. In acelasi timp, 1939 a intruchipat curentele istoriei in moduri mai putin coregrafiate, uneori mai putin magulitoare; Confessions of a Nazi Spy a lui Anatole Litvak a aruncat in usurare neiertatori politica izolationista a Statelor Unite inainte de cel de-al doilea razboi mondial, in timp ce Gunga Din, stabilit in India, si-a combinat aventura galivante cu fanteziile etnocentrice ale „cultului crimei Thuggee”. Stralucitor si strident, politic cu privire la perspectiva si ochi, virtuos si comercial, iata Hollywood-ul in cea mai stralucitoare sclipire a Epocii de Aur. Charles Bramesco
2013: vanturile schimbarii
Acum avem o industrie cinematografica foarte diferita de cea pe care o aveam acum un deceniu: Covid, streaming-ul, MeToo si Black Lives Matter s-au ocupat de asta. Dar daca citeai runele, vanturile schimbarii bateau mai devreme, nimic mai evident in 2013. In frunte trebuie sa fie 12 Years a Slave a lui Steve McQueen: o drama directa preluata din memoriile lui Solomon Northup care a castigat Oscarul pentru cel mai bun film si – desi McQueen este britanic – a schimbat senzational jocul pentru realizatorii de film americani de culoare. Dupa toate acele decenii de excludere, s-a simtit ca regizoarele sosesc in sfarsit in numar semnificativ – Sofia Coppola (Bling Ring), Clio Barnard (Egoist Giant), Joanna Hogg (Expozitie) – precum si o vedere impresionanta a inca mai mult-un -actorul Greta Gerwig in filmul regizat de Noah Baumbach, Frances Ha.
Cu toate acestea, greii americani consacrati aveau inca lucruri grozave: Martin Scorsese a marcat un hit neasteptat cu The Wolf of Wall Street, Coens au facut genialul Inside Llewyn Davis, iar Jim Jarmusch a facut hilarul film cu vampiri rock Only Lovers Left Alive. Intre timp, autorii din afara SUA faceau incursiuni extraordinare: The Great Beauty a lui Paolo Sorrentino i-a dat jos sosetele tuturor, fabuloasa drama de credinta a lui Pawel Pawlikowski, Ida, a castigat Oscarul pentru cel mai bun film in limba straina, iar Lars von Trier i-a depasit pe toata lumea cu bizarul sau peisaj erotic de patru ore, Nimfomanul.
Este o lista uluitoare, care nu include nici macar doua favorite personale, care au indicat ei insisi calea de urmat. Gravitatia, cu inselaciunea sa complexa a casetei luminoase si incercarea considerata de realism spatial, a impins limitele a ceea ce ar putea realiza un film cu efecte, in timp ce uimitoarea Under the Skin, din Jonathan Glazer din Zone of Interest, emana o idiosincrazie indiferenta de la deschiderea sa. cadre, reformuland complet ceea ce ar putea fi acceptabil intr-un vehicul mare stea. 2013 a fost intr-adevar un an de savurat. Andrew Pulver
1975: pur si simplu cel mai bun. Caz inchis
Pentru calitate, inovatie si soc si uimire, este greu sa privim dincolo de 1975, anul care a prezis cel mai exact directia viitoare de calatorie a Hollywood-ului. Acesta a fost anul in care cinematograful ascendent al Noului Hollywood s-a ciocnit de blockbuster-ul infiintat de atunci. Ar fi un singur castigator in acea confruntare: un mare rechin alb de trei tone, cu dorinta de baitori de soare.
Falcile ar fi fost, in cele din urma, prima crapatura a barajului care a dus la actualul nostru potop de mega-filme neinspirate si zgomotoase, dar ramane o piesa bravura de divertisment de masa, o minune tehnologica si de povestire care si-a meritat mai mult decat sa-si fie locul printre premiile Oscar din acel an. nominalizatii pentru cea mai buna imagine. Apropo, a existat vreodata o lista mai buna pentru cele mai bune imagini? Chiar si 1974 a avut o greseala acolo – Towering Inferno, acum oribil de datat – dar cel din 1975 este ucigator, fara umplere: alaturandu-se Jaws-ului s-au alaturat capodopera picaresc a lui Kubrick, Barry Lyndon, epopeea geniala, intinsa, country a lui Altman, Nashville, Dog Day Afternoon, cu Pacino in forma imperioasa si John Cazale adaugand inca o intrare la cea mai mare filmografie din toate timpurile si castigatorul final al acelui an, One Flew Over the Cuckoo’s Nest.
Numai acei cinci ar fi un an de film exemplar, dar sub falda se petreceau multe altele. A fost un moment grozav pentru realizarea de filme ambitioase, adesea transgresive: Ken Russell si opera rock salbatica a lui The Who, Tommy; Samponul satira politic copt a lui Warren Beatty; Socul de arta al lui Pasolini, Salo, sau 120 de zile ale Sodomei; bucuriile ametitoare din The Rocky Horror Picture Show. Respingerea vesela de catre Rocky Horror a normelor sexuale si de gen l-a transformat intr-un reper al cinematografiei queer, dar nu a fost singurul care a mutat cadranul in 1975: Dog Day Afternoon a prezentat o portretizare simpatica a unui personaj trans – Leon, in cautarea unei operatii de schimbare de gen a lui Chris Sarandon. – cu zeci de ani inainte de The Crying Game, Boys Don’t Cry or Tangerine. Si cinematograful negru s-a bucurat de lansari de reper in 1975: drama privind maturizarea Cooley High, care a ajutat sa indeparteze portretele comunitatilor negre de la emotiile ieftine ale Blaxploitation si catre ceva mai rotunjit si mai real; si, pe aceasta parte a Atlanticului, relatarea de pionierat a lui Horace Ove despre viata britanicilor negri, Pressure.
Inca nu esti convins de meritele anului 1975? As putea indica thriller-ul trezitor al lui Robert Redford, Three Days of the Condor, sau clasicul autobiografic al lui Fellini, Amarcord, sau Gene Hackman care repeta trucul The Conversation in marele thriller paranoic uitat Night Moves. Dar ce zici sa lasam asta: actualul campion in vigoare in sondajul criticilor Sight and Sound al celor mai mari filme din toate timpurile vine din 1975: Jeanne Dielman, care schimba jocul cinematografic lent al lui Chantal Akerman, 23 quai du Commerce, 1080 Bruxelles. Caz inchis, onoratare. Gwilym Mumford
1946: sistemul de studio in plin
Cifrele nu mint: cel mai mare an al filmelor din toate timpurile pentru prezenta a fost 1946, cu peste 90 de milioane de intrari saptamanale — 60% din populatia Americii de Nord.
Sistemul de studio era in plina desfasurare si John Ford, Alfred Hitchcock si Howard Hawks, toti la apogeul puterilor lor, curentii intunecati ai noirului atingand punctul maxim al lui Hawk’s The Big Sleep, in timp ce Ford a facut una dintre bataliile sale… cele mai obosite westernuri, draga mea Clementine. A fost cea mai buna ora a lui Joan Crawford in Mildred Pierce, a Ritei Hayworth in Gilda, in timp ce Cary Grant a sustinut un spectacol gravat in carbune in Notorious de Hitchcock.
In Europa, neorealismul italian era in plina desfasurare, cu Lustruirea pantofilor de Vittorio De Sica si Paisa a lui Roberto Rossellini filmat in daramaturile Europei bombardate, in timp ce in Franta Jean Cocteau a realizat cel mai bun film al sau, La Belle et la Bete. America si Europa nu fusesera niciodata mai aproape si, pentru o data, Hollywood nu era o fabrica de vise simpla.
Impotriva victoriei impotriva fascismului, obosit de costul efortului, Hollywood-ul era mai degraba un visator care se invartea cu vise vii, tulburi. William Wyler a facut unul dintre cei mai nelinistitori castigatori de Oscar facut vreodata, despre experienta veteranilor care se intorc, The Best Years of Our Lifes. Chiar si filmul It’s a Wonderful Life de Frank Capra joaca mult mai intunecat decat iti amintesti, asa cum se cuvine unui film realizat de doi veterinari care se intorc, confrunta cu lipsa de inima a capitalismului mahalal inainte de a-l conduce pe George Bailey la finalul sau fericit.
Boom-ul nu a durat. Prezenta a scazut in 1947, pe masura ce cuplurile au ramas acasa, si-au pornit televizoarele, iar filmele au intrat in cadere libera din care nu si-a revenit niciodata. Tom Shone
2027: cel mai bun an urmeaza sa vina…
Un an tumultuos pe care am crezut ca nu voi trai sa-l vad. Incepem cu dizolvarea Academiei ca eveniment centenarul ei. In cele din urma, audientele diminuate si abundenta de subcategorii si grupuri de vot isi intalnesc destinul. „Da-ne o pauza!” spune Spike Lee, ultim presedinte, in timp ce isi primeste premiul pentru regie pentru No One Asked Me.
Quentin Tarantino prezinta al treilea film final, GloriUS. Canalul SURveillance cumpara Netflix si bate recorduri de vizionare cu Chez the Kelces, o acoperire de doua saptamani despre stii cine.
Daniel Day-Lewis revine pentru a juca in Ultimul vis al unei croitoare a lui Paul Thomas Anderson; 81% dintre spectatori intreaba: „Cine este Daniel Day-Lewis?”
Raporteaza ca parcul media TRUMP are probleme cu efectele speciale. Trump anunta: „Este o afacere incheiata – Brad Pitt voi fi eu”. Pitt pleaca din tara. Trump: „Cine stia? S-a dovedit atat de urat.”
Stephen Frears castiga Palme d’Or la Cannes cu un film eseu ruminativ, Ce am decis sa nu fac. Jane Campion deschide Tender Will Be the Night, cu Benedict Cumberbatch ca Dick Diver si Margot Robbie ca Nicole.
Martin Scorsese lanseaza o copie de patru ore din Big Horn, despre batalia din 1876 ca model al rautatii Americii. Leonardo Di Caprio este Custer, De Niro este Taurul Sezut.
Vechiul Muzeu al Academiei din Los Angeles este vandut lui Elon Musk. Exista 211 sali de cinema care opereaza in SUA. Peter Morgan este de acord sa continue The Crown, in ciuda actiunilor legale in curs intre Printii Harry si William.
Sapte cutii de The Magnificent Ambersons pierdute se spala pe tarmurile din Puerto Vallarta. Frederick Wiseman, acum in varsta de 97 de ani, realizeaza un film de patru ore, Liniste, despre lumea ca o panorama a tacerii. Walter Murch este designerul de sunet. Wiseman anunta: „Asta e tot, oameni buni!” David Thomson